Cine por Dentro

Grandes clásicos del Cine: La Guerra de Las Galaxias 

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Por Rienzi Pared Pérez

Cuando se tiene una buena historia que vaya acompañada de una banda sonora espectacular; y por demás, con unos efectos especiales innovadores ymezclado con aventuras, debe de salir una extraordinaria película. Eso pasó en el año 1977 cuando se estrena el comienzo de  lo que sería una saga en el cine. “  StarWars o La Guerra de las Galaxias “.

George Lucas el creador de la saga, comenzó a escribirla a principios de los años setenta terminando con nueve capítulos. Los Estudios llegaron a un acuerdo con este joven cineasta para realizar dos películas. La primera fue una película que el mismo director se reflejaba en ella en sus años mozos. Era nada más y nada menos que su aclamada American Graffiti estrenada en 1973. La otra película iba hacer “ La Guerra de las Galaxias “ ; pero Lucas tenía que decidirse por cuál capítulo comenzar y escogió el capítulo IV de la saga que se titula “ Una Nueva Esperanza “.

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Cuando se estrena en mayo del 1977; inmediatamente desencadenó una fiebre de querer ver esta joya del cine, con efectos especiales bastante innovadores y con una Banda Sonora escrita por John Williams que prácticamente se convierte en un efecto mercadológico de compra del Soundtrack de la película.  Todo esto unido a una serie de aventuras, acción  y de pelea al estilo de espadachines; pero en el espacio.

El comienzo de la película va desarrollando en la mente del espectador que vendrá algo extraordinario.El Espacio Sideral de fondo y las letras explicando la trama de forma ascendente diciéndonos: “ Hace mucho tiempo en una galaxia muy, muy lejana . Es un período de guerra civil. Las naves espaciales rebeldes, que atacan desde una base oculta, han ganado su primera victoria contra el malvado imperio galáctico. Durante la batalla, espías rebeldes consiguieron robar los planos secretos del arma más reciente del imperio, la Estrella de la Muerte, una estación espacial blindada con el poder suficiente para destruir un planeta entero. Perseguida por siniestros agentes del imperio, la Princesa Leia se dispone a regresar a su hogar a bordo de su nave, custodiando los planos robados que pueden salvar su pueblo y restablecer la libertad en la galaxia.” Así, comienza la película con un reparto de actores encabezados por: Mark Hammil( LukeSkywalker); AlecGuinness ( Obi- WanKehnobi ); Harrison Ford ( Hans Solo ); Carrie Fisher ( Princesa Leia ) y una cantidad de actores secundarios que dan vida a esta espectacular película.

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Los efectos especiales recayeron en la compañía que el mismo George Lucas había fundado que era la Industrial Light &Magic, implementando en la película la técnica del control fotográfico del movimiento en lo que se crearía una ilusión óptica en cuanto al tamaño de los objetos, empleando cámaras pequeñas que se moverían lentamente.  Las naves espaciales fueron diseñadas por el mismo Lucas y su equipo de producción.

En la película se puede destacar que el director realiza una mezcla de elementos de los géneros cinematográficos. Podemos notar como mezcla la ciencia ficción con el estilo western  ( cuando se encuentran en el bar ), con el cine bélico ( cuando se juntan las naves para el ataque a la Estrella de la Muerte ), con el de aventuras ( cuando está la persecución de las naves espaciales ) y con marcada influencia de los samurais de Kurosawa ( cuando el enfrentamiento de los espadachines ).

Originalmente la idea era estrenar la película en la navidad del 1976; pero por motivos de retraso en la edición tuvo que ser estrenada seis meses más tarde. La Post Producción tuvo fuertes contradicciones entre sus productores por lo que tenía que crearse ideas “ alocadas “ para poder terminar con los efectos del sonido. Entre ellos se usaron grabaciones de aviones P51 y mezclándolo con otros tipo de efectos. Para los zumbidos de los sables con rayos laser se usó los ruidos emitidos de un televisor averiado junto con un proyector viejo de 35mm. Se usaron sonidos de perros; osos, tigres y leones.  En fin, se utilizaron todo lo que la mente humana puede diseñar para lograr su objetivo.

“La Guerra de las Galaxias” o “ StarWars “ puede decirse como el producto más rentable que haya dado la historia del cine. Desde el éxito de taquillas hasta las ventas de todos los muñecos y figuras que tienen que ver con la saga. Fue nominada a diez Premios Oscars recibiendo seis de ellos, casi todos por elementos técnicos.  En fin, disfruten de este gran legado que George Lucas nos ha dejado “…. Y que la Fuerza le acompañen “.

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Algunas curiosidades de la película:

  • George Lucas tuvo problemas para conseguir financiación para su película. Muchos estudios pensaban que la gente no iría a verla. Grave error…
  • George Lucas en un principio pensó en el actor japonés ToshiroMifune (Famoso por aparecer en todas las peliculas de samurais de AkiraKurosawa) para el papel de Obi WanKenobi. Sin embargo, se decidió por el actor Inglés AlecGuinness.
  • George Lucas realizó una presentación privada para amigos; poco antes de que la película fuera estrenada. La mayoría de sus amigos le dijeron que no iba a tener mucho éxito, y que por suerte podría recuperar el dinero que había invertido. Hubo uno que le dijo que la película podía ser un exitazo. Su nombre: Steven Spielberg.
  • El actor que iba a interpretar a Hans Solo en la serie de películas de la guerra de las galaxias era Tom Selleck, pero su representante le recomendó que no tomara ese papel ya que no sería bueno para su carrera.Otro error.
  • DarthVader está inspirado en dos conocidos villanos de los cómics de superhéroes: Doctor Muerte y Darkseid. La voz de DarkVader es del actor James Earl Jones que en un momento se pensó para ello en Orson Wells.Vader significa Padre en Holandés.
  • AlecGuinness pensó que la película sería como una “basura de un cuento de hadas” por lo que negoció en su contrato un 2% de las entradas brutas en taquilla. Esto le valió unos ingresos por US$95 millones.
  • Mientras que a Harrison Ford por su papel en esta película le pagaron la suma de US$10,000.00
  • A George Lucas se le ocurrió el nombre de R2-D2 durante el rodaje de “American Graffiti”. Un miembro del equipo de sonido le pidió que recuperara el Rollo 2 del Diálogo 2.
  • La banda sonora de la película ha sido la más vendida en la historia del cine.
  • La película costó la suma de US$11 millones de dólares y ha recaudado mil  millones de dólares.
  • Es un fenómeno de recabar dinero. Solamente en los primeros ocho años de su estreno se llegó a vender 250 millones de figuras alusivas a los personajes. Esto sin contar la cantidad de videojuegos existentes.

 

EL GRADUADO
Por Rienzi Pared Pérez

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Existen canciones que han marcado generaciones y que son recordadas como una expresión de una década, cargadas de sentimientos, de denuncia y quedan fijadas en la historia de nuestra juventud por siempre. Una de esas canciones es “ The Sound of the Silence “ escrita por Paul Simon en febrero del 1964, a raíz del asesinato de John F. Kennedy como un intento de expresar el sentimiento popular. La canción es cantada por el dúo Simon&Garfunkel y es parte esencial de la segunda película que dirigió Mike Nichols en el año 1967: El Graduado.

El Graduado está basada en la novela del mismo nombre de Charles Webb y la trama consiste en un joven de 21 años de edad,BenjaminBraddock( Dustin Hoffman ) que finaliza sus estudios en la Universidad y regresa a la casa de sus padres. Desorientado ante el futuro que se avecina el mismo es seducido por la Sra. Robinson ( AnneBancroft ) que es amiga de sus padres, quienes han realizado una fiesta para celebrar la graduación de su hijo. Benjaminconoce a Eleine( Katherine Ross ) hija de la Sra. Robinson con la que sus padres lo obligan a salir con ella en contra de su voluntad; pero poco a poco se va interesando en la joven hasta que llega a enamorarse.

Mítica y agridulce comedia generacional, protagonizada en su primer papel cinematográfico por un soberbio Dustin Hoffman, que se convertiría inmediatamente después de su estreno en una gran estrella. La actriz Anne Bancroft, en la piel de la señora Robinson, únicamente muestra una pierna estirada provocativamente en primer plano, no vulgar, sutil, mientras que al fondo se ve una figura pequeña, la figura de un tímido joven. Este plano ha sido inclusive la portada de propaganda del film que se ha hecho famoso en el mundo y la frase siguiente: Mrs. Robinson ¡ Usted está tratando de seducirme!

Nominada a siete Premios Oscars solamente ganando el de Mejor Director para Mike Nichols, quien nos expresa a través de este trabajo, el de reflexionar sobre la desorientación de un joven recién graduado, las relaciones interpersonales y la incomunicación social y familiar planteado en el rostro de nuestro protagonista.

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El guion es estupendo y atrevido, en el cual nos coloca la relación de Benjamin con la Sra. Robinson como introduciéndolo al mundo adulto para luego dar paso al amor que siente el joven graduado con Eleine Robinson – la hija -. La fotografía con movimientos de cámaras muy ágiles nos adentra y nos lleva a un ritmo que nos cautiva; esto unido a una edición estupenda.

Cuando se estrena, ocupa un lugar cimero en las ventas de taquillas convirtiéndose en un ícono para los jóvenes a finales de la década de los 60’s. En esta película nos muestra a la típica familia norteamericana media- alta en la que podemos ver: Divorcios, adulterios, alcoholismo, etc. conductas meramente incorrectas si nos fuéramos a la década anterior; pero nos encontramos en el despertar del liberalismo sexual e independencia de esa juventud en los años de su estreno.

Después de que Benjamín mantiene relaciones con la Sra. Robinson ( el cual puede decirse como su instructora ) y se enamora de la hija de esta, a partir de ahí, la película tiene un giro y es al final cuando Elaine va a casarse con su prometido; Benjamín irrumpe la ceremonia y ambos huyen a todo dar. Se ríen por la locura que acaban de hacer ya que no saben lo que le espera en el futuro; pero como jóvenes al fin; sienten que le será prometedor.

El Graduado es una película de añoranzas; pero el tiempo de aquella época y el presente hace que la película haya perdido un poco; porque el pensamiento ha evolucionado tanto, que quizás los jóvenes de hoy en día la encuentren un poco melosa; pero abstrayéndonos de manera mental en la época que se vivió, podemos así comprenderla y aceptar la calidad de la película como un hito de lo mejor del cine.

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Algunas curiosidades de la película:

1)Antes que Dustin Hoffman se hiciera con el personaje que le dio fama, rechazando un papel en Los Productores de Mel Brooks (estando Brooks casado con Anne Bancroft, protagonista femenina de El Graduado), era Warren Beatty el elegido, pero abandonó el proyecto.

2)La elección de Dustin Hoffman como protagonista levantó ampollas. Unos decían que no daba la talla, otros que plagiaba a BusterKeaton, e incluso el director de la cinta Mike Nichols anunció que no sabía por qué había contratado a Hoffman. Más tarde confesaría que lo hizo porque el pequeño actor le recordaba a él mismo cuando era más joven.

3)Antes de elegir definitivamente el casting de la película, la hermosa actriz Doris Day y el actor Robert Redford iban hacer los elegidos para hacer de Mrs. Robinson y el graduado respectivamente; pero recayó en Dustin Hoffman y Anne Bancroft.

4)En el famoso cartel anunciador de la película, la pierna hermosa de mujer en primer plano no es de la protagonista (Anne Bancroft) como siempre se pensó, sino de una modelo ya que por problemas de agenda Bancroft no pudo acudir a la sesión fotográfica. La modelo fue Linda Gray, popular décadas después por su papel de Sue Ellen en la teleserie Dallas. Gray confirmó este secreto en 2013.

5)Cuando rodaron la película, Dustin Hoffman tenía 30 años ( en la película figuraba 18 años ), Katharine Ross tenía 27 y Anne Bancroft, 36; sin embargo en el film la diferencia de edad es mayor. En la realidad, Katharine Ross tenía sólo nueve años menos que su madre en la ficción.


 

GRANDES CLASICOS DEL CINE
BEN HUR

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Por Rienzi Pared Pérez

El 12 de noviembre del 1880 sale publicada la novela Ben Hur escrita por Lee Wallace que relata la historia de Judá Ben Hur. Lee Wallace fue un general de los estados de la Unión cuando la Guerra de Secesión en los Estados Unidos. Escribió varias obras; pero ningunas llegaron a alcanzar la supremacía de esta obra. El cine es un arte que ha ido de la mano con la literatura y en el 1910 se hizo una película no oficial de la obra de Wallace; sin embargo ya para el año 1925 la MGM compra los derechos y realiza la película dirigida por Fred Niblo. En el papel de Judá Ben Hur recayó en un actor mexicano de nombre Ramón Novarro quien era primo de Dolores del Río. Esta versión hecha en la etapa del cine silente fue uno de los proyectos más importante de la MGM.

Con el transcurrir del tiempo la MGM quiso hacer una nueva versión de la película para la década de los años cincuenta, y es precisamente en la ciudad de New York, un 18 de noviembre del 1959 que se estrenacon Charlton Heston en el papel principal. Fue la película más taquillera ese año y llegó a convertirse en el segundo film más rentable después de Lo Que el Viento se Llevó.

La acción transcurre en el año 30 de la era cristiana. El Imperio Romano gobierna gran parte del mundo y su poder llega a la región de Judea. Aquí se encuentra Judá Ben Hur( CharltonHeston ) con su amigo de infancia Messala ( Stephen Boyd ), un romano que llega a Judea como jefe militar de una de las legiones romanas. Ben Hur cree que su amigo puede tener la posibilidad de cambio para su pueblo y Messala entiende que Ben Hur puede a identificar a los enemigos del régimen. Al no llegar a ningún entendimiento; y por un accidente cuando cruzaba la caravana del nuevo gobernador romano, Messala toma esta acción como un atentado y castiga a la familia de Ben Hur y lo envía a prisión, y por tanto, la destrucción de su familia.Judá Ben Hur jura que se vengará aunque le lleve toda la vida.

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Condenado a la galera, en el camino se encuentra con Jesús de Nazaret quien le dará agua. Ya en la galera, Ben Hur salva la vida del primer cónsul de Roma, Quinto Arrius quien lo adopta como hijo y regresa Ben Hur a Judea para cumplir su promesa de venganza y recuperar su familia.
La música de la película fue escrita por MiklosRozsa en el cual éste se documentó sobre la música grecorromana para dar una partitura combinada con elementos modernos. De este resultado salió una banda sonora espectacular el cual fue merecedor delOscars. Esta superproducción llama la atención el diseño de la producción y de los decorados, el cual la MGM no escatimó recursos para llevar a cabo este proyecto.

El presupuesto original era de siete millones de dólares terminando en invertir la suma de quince millones de dólares que era una monstruosidad para la época.

Una de las escenas más famosas es la carrera de cuadrillas. Este rodaje fue una labor épica que ha obtenido su recompensa; ya que es una de las escenas de acción más espectaculares jamás filmada. Se construyó en los estudios de la Cinecittá en Roma y fue el mayor decorado que se había construido en una extensión de 73,000mts2 y un costo de un millón de dólares de la época. En este costo se incluyó la compra e importación de 78 caballos y la construcción de 18 carros romanos y más de 7,000 extras que se encontraban en el público. Debido a la peligrosidad de la escena se hizo un área de primeros auxilios compuesto por dos médicos y dos enfermeras y una capacidad para 20 camas. Esta escena posee un ritmo que nos mantiene expectante que nos deja sin habla. El director William Wyler cuando vió el primer corte de la escena dijo: “ este es uno de los mayores logros cinematográficos que he visto en mi vida”. Compartimos esta apreciación.

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Esta película fue ganadora de 11 premios Oscars en el año 1959 y posee una de las fotografías más interesantes por todo ese movimiento de cámara. Se lograron filmar 340,000 metros de película lo que fue una dura batalla para John Dunning y Ralph Winters los editores de la película; para dejarnos una obra que ronda las casi cuatro horas de duración que no cansa en lo más mínimo.
Estamos ante una verdadera joya de la cinematografía mundial. Una película del género épico que ha ocupado un sitial en los anales de la historia del cine. Una cinta grandiosa cuyo peso ante la historia, su narrativa y su técnica quedan para la posteridad.

Algunas curiosidades de la película:

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1) La película fue la más cara de la historia en su momento, con 15 millones de dólares de presupuesto; pero acabó recaudando más de 70 millones sólo en Estados Unidos en 1959. Aunque en proporción fue más barata que la versión muda que costó 6.6 millones de dólares en 1925. Hasta la fecha ha recaudado alrededor 150 millones de dólares.
2) La carrera de cuadrigas, que dura 20 minutos en la película, se rodó en 3 meses.
3) La producción de Ben-Hur duró 5 años.
4) Se crearon más de 100.000 trajes y 300 decorados.
5) La película fue rodada en Cinemascope, por lo que mostró un gran nivel de calidad en las salas equipadas con ese sistema.
6) El éxito en la taquilla delapelícula salvó a la Metro Goldwyn Mayer de la quiebra.
7) Después de terminar la producción delapelícula se destruyeron todos los decorados para que no pudieran usarse posteriormente.
8) Sam Zimbalist (productor) murió durante el rodaje debido a la alta tensión, según dicen, que se vivía en el mismo.
9) Paul Newman, Rock Hudson y Burt Lancaster se negaron en representar el papel de Judá Ben Hur por lo cual recayó en Charlton Heston.
10) William Wyler, director de ésta, fue ayudante de dirección en la versión muda de 1925.
11) En la escena de cuádrigas, hay un momento que cae uno de los romanos del carro y muere. Pues bien, ese actor murió en ese mismo momento, puesto que al caer se metió debajo de las ruedas del carro y fué atropellado por este. Esto según versiones de algunos dobles de la época; aunque hay otras versiones que no sucedió así.
12) La única condición para ser extra de esta maravillosa película era tener barba.
13) En la carrera de cuadrigas se tuvo un cuidado especial. Los caballos fueron entrenados durante cuatro meses a correr en grupo y a acostumbrarse a los choques.


 

Lo Mejor de Leonardo Favio

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Por Rienzi Pared Pérez

En el mundo del arte hay personas que poseen cierta versatilidad para realizar diferentes oficios y muestra de ello, nuestro personaje del artículo de hoy es uno de esos artistas que han sido: compositor musical, cantante, arreglista; pero también, productor, guionista, actor y director de cine. Ese es nuestro querido Leonardo Favio.

Su verdadero nombre era Fuad JorgeJury.Nació en la ciudad Luján de Cuyo, de la provincia Mendoza en el año 1938 y muere en la ciudad de Buenos Aires en el 2012. Nació en un barrio pobre donde fue abandonado por su padre. Pasó una infancia muy complicada; ya que por la ausencia paterna terminó haciendo un chico conflictivo que lo llevó a un reclusorio de menores. Luego, trató de mantenerse en la Marina; estudió en el Seminario y pequeños papeles en algún teatro de la ciudad. Desde muy niño aprende a tocar la guitarra y participa como adulto en un lugar de esparcimiento donde un día lo ve un ejecutivo de la CBS y le promete grabar un disco.

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Leonardo Favio

La década de los años sesenta se caracterizó por ser una era de despertar de muchas emociones en la juventud, y el género balada o canciones románticas ( a parte del Bolero ) hace que surjan canciones grabadas por este cantante como fueron: Fuiste mía un verano, O quizás simplemente le regale una rosa, y luego, sigue cosechando éxitos con Ding Dong, Ding Dong, Ni el Clavel ni la Rosa y Ella ya me olvidó. Sin embargo, a finales de los años cincuenta este gran artista había realizado dos cortometrajes y en el 1965 realiza su primera película que se titula“ Crónica de un niño solo “ por el cual obtuvo un premio en el Festival de Cine de Mar de Plata. Luego le sigue “ El romance de Aniceto y Francisca” en el 1967.

En el Festival de Cine de Cartagena gana la Mejor Película por “El Dependiente “ y en el 1973 se estrena una de sus películas más famosas que se denomina “ Juan Moreira” el cual está basada en la novela homónima de Eduardo Gutierrez. Juan Moreira es un gaucho bueno y trabajador; pero está cansado de los abusos de las autoridades y se rebela contra el sistema en procura de un mejor estilo de vida para sus gentes lo que le gana admiración y respeto. Su prestigio lo convierte en un individuo que puede ser útil para la política en época de elecciones y es usado entre los caudillos de la zona durante la llamada revolución de 1874 en Argentina.

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Película Aniceto

En la década de los setenta Leonardo Favio continuó su ritmo de trabajo, sobretodo en la parte artística, y se presentaba en lugares públicos realizando concierto con la finalidad de recabar recursos económicos para poder continuar haciendo sus películas. Es decir, su tiempo lo dedicaba entre la música y el cine. Es por ello, que en el 1975 dirige la película “ Nazareno, Cruz y el Lobo”una película del género de fantasía – dramática que ha sido considerada una de las mejores películas argentinas y que posee un record de taquillas en su país demostrando que el cine de Leonardo Favio es de una calidad incuestionable.
Leonardo Favio fue un activista político; ya que siempre estuvo del lado Peronista y en el 1967 se casa con María Vaner quien era una notable actriz con ideas de izquierda lo que llevó – cuando la dictadura de Videla – a ser exiliado y vivir durante un largo tiempo fuera de su país.
Para el año 1987 Leonardo Favio regresa a su país y reinicia su carrera como cantautor y organiza giras artísticas paralelamente con su carrera cinematográfica. En el 1990 comenzó el rodaje de “ Gatica, el Mono “ película que tuvo su estreno tres años después con éxito rotundo desde el punto de vista en taquilla como en la crítica. Entre el 1996 y 1999 realizó un documental que se denominó “Perón, Sinfonía del Sentimiento “ donde retrata la situación de la Argentina entre la Primera Guerra Mundial hasta la muerte de Juan Domingo Perón en el 1974.

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Su última obra cinematográfica la realizó en el 2008 con la película “Aniceto “ que es un drama musical donde se enlaza la seducción y el amor entre dos personas de pueblo: Aniceto y Francisca. Viene siendo la segunda versión de la película “El romance del Aniceto y la Francisca” que había rodado en el 1967.
Pese a su trayectoria dentro del mundo del cine, posiblemente Leonardo Favio es más recordado en latinoamérica como el gran cantante y compositor de baladas. Como comienza una de sus canciones “ Quiero aprender de Memoria” todas sus canciones y ver todas sus películas para deleitarme de arte popular y recordar una época de romanticismo juvenil.
He querido reconocer a este artista del séptimo arte que muy pocas personas conocen. A ese director de cine que pudo plasmar sus cadencias en el manejo de las cámaras y poder ofrecer una gama de películas distintas en géneros, y que son ganadoras en diferentes Festivales.
Honor a un grande como cantante y cineasta.
Honor a Leonardo Favio.

Filmografía de sus largometrajes:
• 1964: Crónica de un niño solo
• 1966: Este es el romance del Aniceto y la Francisca, de cómo quedó trunco, comenzó la tristeza y unas pocas cosas más…
• 1969: El dependiente.
• 1973: Juan Moreira.
• 1975: Nazareno Cruz y el lobo
• 1976: Soñar, soñar
• 1993: Gatica, el Mono
• 1999: Perón, sinfonía del sentimiento
• 2008: Aniceto

 


 

 

LA NOCHE DE ANTONIONI
Por Rienzi Pared Pérez

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Cuando hablamos del séptimo arte, muchas veces nos abocamos por hablar de películas populares o de cineastas sonoro que están cada día en titulares de periódicos y revistas especializadas.Pero existe un cineasta que no es muy conocido por el público en general; sino por aquellos que somos amantes del Cine. Me refiero a ese gran cineasta que fue: Michelangelo Antonioni.

Michelangelo Antonioni ( Ferrara, 29 sept. 1912 – Roma, 30 de julio 2007 ), fue un cineasta italiano que se destacó por la calidad de sus guiones dejando una estela de películas para fines de análisis. Su vida transcurrió muy holgada económicamente; ya que provenía de padres dedicado a la industria y desde muy joven tuvo inclinaciones artísticas; tales como el dibujo y la música; pero nunca llegó a pensar en el cine.Al cabo de un tiempo empieza a escribir crítica cinematográfica en una revista de cine y llega a ser ayudante del famoso director francés Marcel Carné.

Recién finalizada la Segunda Guerra Mundial, comienza en Italia un movimiento artístico en el cine que se denominó “ Neorrealismo Italiano “ encabezado por Roberto Rossellini con quien hizo un guion y se apasiona por realizar películas para poder plasmarla en imágenes todo lo que deseaba escribir. Su primera obra fue un documental en el 1943 llamado Gente del Po.Debido a la guerra, se edita en 1947 y una parte muy importante del material se perdió en esa conflagración. Su primera película fue en 1950 con Crónica de un amor para luego seguir realizando varios documentales.

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En 1953 estrena La señora de las Camelias con la actriz española Lucía Bosé, donde el director traza una densa reflexión nada complaciente con el mundo burgués con apariencia de simple melodrama. En esta etapa de su vida, Antonioni presenta ya muchos de los rasgos y temas que aparecerán en sus posteriores obras, y su película El Grito ( 1957 ) así lo confirma.

En esta películaactúan Steve Cochran y AlidaValli. Muestranla presentación naturalista de los personajes en un ambiente obrero, y el arranque con el conflicto de la pareja, corresponden al movimiento cinematográfico nacido de la mano de Rossellini; pero el posterior deambular, y el desasosiego del protagonista, es más propio del cine que vendrá a continuación con su influyente trilogía. Aquí puede decirse que comienza a ser visto y admirado por esta obra, pero lo importante es que viene hacer el antecedente directo al tema de la incomunicación humana, o mejordicho, del aislamiento que tanto obsesionó al director en su famosa trilogía de películas que son: La Aventura ( 1960 ) La Noche ( 1961 ) y El Eclipse (1962 ). Tres grandes obras de la cinematografía mundial que lo catapultan como un genio de este arte.

La Obra de Antonioni es compleja y hace una reflexión sobre su entorno, sobre la sociedad que le sofocaba, por ello, trató siempre de transmitir en cada plano, sus desencantos, su pesimismo y unos personajes que transmitían indiferencia y que se rebela en la incomprensión.
Las referencias visuales de Antonioni se construyen sobre silencios y miradas vacías que nunca se encuentran. La inseguridad y la tragedia del interior de sus personajes buscando soluciones irreversibles. Es la de un director que creyó necesario aprovechar el cine para transmitir el vacío del alma, personajes que son incapaces de superar su angustia. Es la relación de encuentro y desencuentro.
Haciendo honor al título de este artículo, expliquemos La Noche de Antonioni.
La Noche ( 1961 )

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En esta película Antonioni disecciona a la clase burguesa, encarnada en el matrimonio que representa MarcelloMastroianni y Jeanne Moreau. El es un escritor exitoso, y ella lleva una vida repleta de eventos sociales relacionándose con la clase alta. Una noche deciden ver a un amigo al hospital que está gravemente enfermo. Lidia ( el papel que interpreta Moreau ) decide irse del hospital ; ya que no soporta ver a su amigo moribundo. En eso, Giovanni ( Mastroianni que es su esposo ) se reúne con ella y se marchan en su vehículo hasta las oficinas de un editor que celebra una fiesta con motivo de la salida de su nuevo libro. Transcurrido un rato, Lidia, se siente sola y decide irse; su esposo le acompaña. Así, en lugar de diálogo entre ambos se percibe innumerables ruidos que sustituyen a las palabras. En esta incapacidad de comunicarse parece conducir a la pareja al desamor.

En el libro de Miguel Barroso denominado Las mejores películas del siglo XX expresa lo siguiente: “ que esta película es recordada por su intensa y larga escena final, cuando Lidia le lee una conmovedora carta de amor que estaba escrita por su marido hace muchos años; pero que él no recuerda. Cuando Lidia continúa leyendo su esposo se sorprende al escucharla y se pregunta quién había escrito esas frases tan bellas y llenas de vida. Lidia ha conservado los versos porque tenían un sentido cuando fueron escritos; pero ya no. Ella le expresa: deseo morir porque no quiero dejar de amarte. Giovanni se aferra a ella, casi quiere morderla para hacerle saber que existe una luz que hasta hace poco iluminaba caminos contrarios. Lidia, cubierta casi por completo por el hombre, grita con rabia, con hambre de amor contenido mucho tiempo”.

Durante esa noche ambos quedan en el silencio con un futuro incierto y la cámara va recorriendo todo el escenario hasta su amanecer.
El cine de Antonioni despierta emociones en algunos cinéfilos y otro desconcierto para los que no logran entender; pero en el fondo, para disfrutar de sus películas solamente hay que dejarse llevar y sentirla. La sutil maestría de su puesta en escena hace de La Noche elegante, envolvente y utiliza los espacios como reflejo de los estados de ánimos de sus protagonistas. La gran fotografía en blanco y negro de Gianni di Venanzo, repleta de claroscuros viene a ensalzar la belleza de cada uno de los planos que conforman la película.

Esta gran obra fue premiada por el Oso de Oro en Berlín en 1961 y por el premio de David de Donatello, Italia 1961 por la mejor dirección. Por lo tanto, estamos ante una Obra Maestra del cine compleja en su contenido; pero que las imágenes y el silencio de la misma, hace que podamos apreciar que el cine es más que simple suspenso, risa o acción; es también psicología para analizar los sentimientos del hombre.


 

CHARLES CHAPLIN: UN VERDADERO GENIO
Por Rienzi Pared Pérez

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La palabra genio proviene del latín ( genius ) que significa capacidad mental extraordinaria. El mismo origen de la palabra se le puede dar sentido de “ inventor “. Es por ello, que este artículo está dedicado a un inventor con una capacidad extraordinaria para hacernos reír y llorar sin tener que decirnos una palabra: Charles Chaplin.

Charles Spencer Chaplin (Londres, 16 de abril 1889, – Suiza, 25 dic. 1977 ) fue un actor, humorista, director, guionista, productor, músico, etc, etc, etc. que ha cautivado a varias generaciones desde que comenzó a principios del siglo XX a formar parte de un arte que estaba en gestación y que él mismo ayudó a desarrollarlo: El Cine.

Desde muy temprana edad Charles Chaplin estuvo inclinado hacia el arte, siendo un jovenzuelo comienza a laborar como pantomimo en la compañía de Fred Karno uno de los grandes reyes de la industria de la comedia en ese tiempo. Con la compañía de Karno realiza varios personajesque son del agrado del público, hasta que en uno de los viajes de esta compañía hacia los Estados Unidos, llega a verlo Mark Sennett quien a la sazón era uno de lo que producían películas cómicas a través de su empresa la Keystone Studio.

Charles Chaplin llega en un momento en el cual está naciendo un arte, desconocido para él, y hay una ebullición de rodajes de películas de la mano de David W. Griffith, Edwin S. Porter, Mark Sennett,etc.y entre ellos se encuentraChaplin; que luce admirado por este encuentro. Comienza a participar en películas bajo la conducción de Mark Sennett e inmediatamente es favorecido. Estamos en enero del año 1914.

En el año del 1915, Charles Chaplin es contratado por la empresa Essanay y deja la Keystone. Con ésta representa su primer aprendizaje, y con Essanay, es el descubrimiento, la pasión de explotar lo que lleva dentro de sí. Desarrolla y va perfeccionando su famoso personaje del vagabundo; que el distribuidor de películas francés llamado Jacques Haik lo denomina Charlot, nombre con el que habría de triunfar.

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En casi cuatro años, Chaplin ha escalado las más altas cumbres del triunfo. Su nombre recorre el mundo, las personas lo imitan, se visten de acuerdo a su personaje y realizan concurso buscando el doble de Charlot. Como dato curioso, en una ocasión se celebraba un concurso de imitadores de Charlot(el vagabundo) en el Teatro Chino de Grauman en Hollywood, y a Chaplin se le ocurrió la idea de presentarse de incógnito quedando en tercer lugar. Ironía de la vida.

Charlot es un vagabundo con modales refinados y la dignidad de un caballero. Chaplin se convirtió en la estrella más exitosa de este tiempo e hizo su debut con este personaje con la película “ Carreras Sofocantes “ ( Kid auto races at Venice ) en febrero del 1914. A partir de ahí, realiza variados cortos entre ellos o los más importantes: El Vagabundo ( TheVagabond ) del 1916; El Bombero ( TheFireman ); del 1916; El Inmigrante ( TheInmigrant ) del 1917; Una Vida de Perros ( A dog’sLife ) del 1918; Armas al hombros ( ShoulderArms ) del 1918, etc.

Durante este período e intentando escapar del creciente poder de los demás distribuidores y financiadores de películas, funda la empresa UnitedArtists junto con cineastas y actores de la talla de Douglas Fairbanks, Mary Pickford, David W. Griffittsen el año 1919. Con esta compañía, Chaplin empieza hacer largometraje y la primera de ellas es del año 1921 y realiza la película El Chico ( TheKid ) del 1921;una joya de la cinematografía mundial donde existen elementos de su propia infancia destacada en ella. En el 1923 realiza “ Una mujer de París “ ( A Woman of Paris ) donde es la única película que no aparece en ella de toda su filmografía.

EL NIÑO

En el 1925 realiza una obra maestra y es La Quimera del Oro ( The Gold Rush ) donde el vagabundo es atraído por la fiebre del oro y se traslada a Alaska para probar fortuna. Existe un trasfondo ideológico lleno de humanidad; pero enriquecido con diversas y poéticas emociones. En esta película está la famosa escena de la danza de los panecillos y donde se come su propiocalzado.

En el año 1928, Chaplin realiza la película El Circo ( TheCircus ) y en este momento, el cine tiene un salto con la llegada del cine sonoro un año antes. La gente le pide que realice una película hablada con el personaje del vagabundo y Chaplin lo descarta. Se traza como meta realizar una película muda en pleno cine sonoro y en el año 1931 estrena Luces de la Ciudad ( CityLights ) mostrándonos una obra maestra cargada de emociones el cual nos hace reír y llorar a la vez. En 1936, realiza Tiempos Modernos ( Modern Times ) con lo cual es la última aparición del famoso personaje que le dio fama y al final hay un momento donde se escucha por primera su voz. Aquí trabaja con la actriz Paulette Godard quien fue su compañera de varios años.

Ya entrando la década de los 40’s realiza El Gran Dictador ( The Great Dictador ) y junto con la anterior Tiempos Modernos, comienza a tener inconvenientes con el Comité de Actividades Antiestadounidenses por supuestas acciones en contra de los intereses norteamericanos. En el 1952 sale hacia Inglaterra a rodar Candilejas ( Limelight ) y cuando decide regresar a los Estados Unidos el Servicio de Inmigración decide prohibirle el ingreso al país. Lo acusan de comunista y de atentar contra la moral; por lo que decide irse junto con su última esposa Oona O’Neill a residir a Suiza hasta el día de su muerte.

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Chaplin compuso varias partituras y canciones para sus películas, aunque no fue reconocido por esto. Su famosa partitura de Candilejas obtuvo un Oscar como mejor música original en la entrega de los premios en el 1972. En este año regresa a los Estados Unidos por invitación de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas para rendirle un homenaje por su aporte al cine durante toda su vida. Este Oscar honorífico se entregó en la ciudad de Los Angeles de la mano de ese gran actor Jack Lemmon.En un principio Chaplin tenía sus temores en ir; porque tenía en su memoria la manera que la sociedad estadounidense se había comportado durante la época del macarthismo a finales de los cuarenta y principios de los cincuenta.

Chaplin recibió tres premios de la Academia a lo largo de su vida. Uno como mejor banda sonora, el cual hicimos referencia anteriormente y dos de carácter honorífico. A pesar de que existen cuatro películas ( El Chico, La Quimera del Oro, Luces de la Ciudad y Tiempos Modernos ) consideradas entre las 100 mejores de la historia del cine no recibió ningún Oscar por ninguna de ellas. Hasta la actualidad es considerado la mejor representación del cine mudo y un digno representante del humorismo. En 1999, la American Film Institute lo definió entre los diez actores más célebre de todos los tiempos y el gran escritor y Premio Nóbel de Literatura George Bernard Shaw lo llamó “ el único genio de la historia del cine”.

EL DICTADOR

Por lo tanto, estamos ante un artista completo; que nos legó un conjunto de obras para el deleite de la humanidad.

Parte de la filmografía de Chaplin:
1) El Chico ( TheKid ) 1921
2) Una mujer de París ( A Woman of Paris ) 1923
3) La Quimera del Oro ( The Gold Rush ) 1925
4) El Circo ( TheCircus ) 1928
5) Luces de la Ciudad ( City Lights ) 1931
6) Tiempos Modernos ( Moder Times ) 1936
7) El Gran Dictador ( The Great Dictator ) 1940
8) Monsieur Verdoux, 1947
9) Candilejas ( Limelight ) 1952
10) Un Rey en New York ( A King of New York ) 1957
11) UnaCondesa en Hong Kong ( A Countess from Hong Kong ) 1967.


Alfred Hitchcock: El Mago del suspenso
Por Rienzi Pared Pérez

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Alfred Hitchcock

El público en sus gustos, es como un arcoíris de helados el cual posee diferentes sabores y colores. Este público, en especial los llamados cinéfilos, no es ajeno a esto y van desde los que les gustan los dramas, los romances, de guerra; pero hay uno muy especial, y son aquellos que les encantan las películas de intriga y suspenso.Es por tal razón, que nuestro artículo va dedicado a uno de los grandes cineastas especializado en este tipo de género cinematográfico: Alfred Hitchcock.

Alfred Joseph Hithcock nace en Londres un 13 de agosto del 1899 y muere en la ciudad de Los Angeles el 29 de abril del 1980. Fue director y productor de cine que se caracterizó por realizar películas de suspenso y drama psicológico. Comenzó su carrera en el cine británico en la época del cine mudo y principio del cine sonoro, llegando a conseguir fama y prestigio hasta que decide ir a la meca del cine: Hollywood en el año 1939.

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Película Los Pajaros

Tuvo una educación muy estricta básicamente católica; ya que sus padres lo eran,conllevando a forjarle una personalidad tímida y apocada. A la edad de 17 años logra ver la película El Nacimiento de una Nación de David W. Griffith; lo que queda prendido de este maravilloso arte. En la década de los años 20’s consigue trabajar como montador, guionista y dirección de arte bajo la tutela de Hugh Ford. Decide emprender él mismo su propio proyecto de realizador de película en plena época del cine mudo; lo que logra apasionarse y conoce a una montadora de película la joven Alma Reville que luego sería su esposa por toda la vida.

Cuando Alfred Hitchcockllega a los Estados Unidos de la mano del productor David O. Selznick, le apoderan un guion basado de la novela de Daphne du Maruier denominado Rebeca, el cual dirige su primer largometraje que llegó a alcanzar 11 nominaciones y obteniendo el galardón a la mejor película del año 1940. La segunda película de Hitchcock en este país es Enviado Especial ( ForeignCorrespondent ) también rodada en 1940 y la historia es la de un periodista que interpreta Joel McCrea, enviado a Europa para analizar la eventualidad de una nueva guerra mundial.

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Con la RKO hace el rodaje de dos películas, una de ella es Sospecha ( Suspicion ) del 1941; pero ese año coincide con el estreno de una de las grandes películas y más controversiales, producida por la misma RKO y es Ciudadano Kane de OrsonWelles. Es por ello, que su película no tiene ese boom del momento.

Luego, pasa a dirigir sus películas para la Universal Studios y realiza la película Sabotaje( Saboteur ). La intriga comienza cuando un obrero es acusado equivocadamente de haber cometido un acto de sabotaje que resulta con la muerte de su mejor amigo. Su segunda película para los estudios de la Universal es La sombra de una duda( Shadow of a doubt ) del 1943. Esta película es una de las preferidas por el mismo Hitchcock y actúan Joseph Cotten y Teresa Wright; en donde Cotten interpreta a un sospechoso individuo de asesinar viudas y ancianas por dinero.

Para la 20th Century Fox, Hitchcock realiza Naufragos( Lifeboat ) del 1944, donde realiza una adaptación de una obra de John Steinbeck, que son crónicas de experiencias vividas por sobrevivientes del naufragio de un barco estadounidense hundido por un submarino alemán.

Inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial vuelve a colaborar junto con el productor norteamericano David O. Selznick y rueda la película Recuerda ( Spellbound ) del 1945. Luego, en el 1946 realiza junto con CaryGrant e Ingrid Bergman la película Encadenados( Notorious ). A partir de esta película sale a conocer un concepto del suspenso y es el llamado MacGuffin. Alfred Hitchcock le llamó MacGuffin al elemento de suspenso que hace que los personajes avancen en la trama; pero no tiene mayor importancia en la trama en sí.

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En el 1948 realiza para su propia compañía productora, la película La Soga( TheRope ). Es su primera película a color y constituye un ejercicio por su estilo sobre planos largos y de secuencia en 11 rollos de 10 minutos cada uno.

En la década de los años 50’s encuentra su clímax con películas estupendas que han pasado a la historia como verdaderas Obras Maestras. Aquí le muestro una relación de sus películas en esta década tan fructífera para este gran director.

1) Extraños en el Tren ( Strangerson a Train ) 1951
2) Yo Confieso ( I Confess ) 1953
3) La Llamada Fatal ( Dial M forMurder ) 1954
4) La Ventana Indiscreta ( Rear Windows ) 1954
5) Atrapar a un Ladrón ( To Catch a Thief ) 1955
6) QuiénMató a Harry? ( The Trouble with Harry ) 1955
7) El Hombre que sabía demasiado ( TheManWhoKnewTooMuch ) 1956
8) El Hombre Equivocado ( The Wrong Man ) 1956
9) Vértigo, 1958
10) Intriga Internacional ( North by Northwest ) 1959.

Cómo podrán ver notado, en esta década el Sr. Alfred Hitchcock hizo 10 películas, de las cuales al menos tres de ellas son consideradas Obras Maestras por algunos historiadores y críticos de cine en todo el mundo. ( La Ventana Indiscreta, Vértigo e Intriga Internacional ).

Comenzando la década de los años 60’s; nuestro afamado director realiza una de las películas más parodiada e imitada en la historia del cine y es Psicosis en 1960, con esta película y música de Bernard Herrmann impacta en el mundo de la cinematografía con la famosa escena de la ducha donde hay alrededor de 50 o 60 planos de detalles . En 1963 realiza Los Pájaros( Birds ), en 1964 Marnie – La Ladrona – con la actriz TippiHedren ( la madre de Melanie Griffith ) y Sean Connery en los papeles principales. En 1966, realiza una película de lo que fue la Guerra Fría con Cortina Rasgada( TornCurtain ) con JulieAndrews y Paul Newman y en 1969 Topaz.Ya estas últimas películas no se encuentran a la altura de sus obras anteriores y fue cayendo hasta que realiza su última película en 1976 con FamilyPlot.

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En los años 1955-1961 realiza para la Televisión una serie que tuvo gran acogida para el público en general y se llamó: Alfred Hitchcock Presenta con 17 grandes episodios; mostrándonos así, su gran veteranía para el manejo de este tipo de temas.

Alfred Hitchcock apareció en 37 de sus 53 películas como cameos ( aparición breve de una persona en películas ) y como dato curioso nunca ganó un Oscars como director en toda su fructífera vida dentro del cine.

Hablar de la historia del cine es imposible no destacar, el aporte hecho por este gran director que se ha ganado el respeto del público cineastas por su leyenda de: El Mago del Suspenso.


 

GRANDES CLÁSICOS DEL CINE “CANTANDO BAJO LA LLUVIA”
(Singin’ in the Rain )
Por Rienzi Pared Pérez

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Esta Obra Maestra del cine es una película musical estrenada en el mes de abril del año 1952, siguiendo los esquemas clásicos de la Metro – Goldwyn – Mayer. Es uno de los mejores trabajos fílmicos sobre la propia industria del cine y el más conseguido ejemplo del paso del cine silente al cine sonoro. El cine silente o cine mudo, termina prácticamente en el año 1927 cuando se estrena la película el Cantor del Jazz interpretada por el actor Al Jonson. Este trabajo de la Warner Bros. cambia por completo el esquema existente y a partir de ahí el cine como expresión del arte cambia por completo.

La película Cantando bajo la Lluvia es dirigida por Stanley Donen y Gene Kelly; y en ella expresa con mucha habilidad y humor, esa gran problemática que supuso para muchas estrellas del cine mudo no poder adaptarse a esos cambios; ya que muchos de ellos tenían inconvenientes con el idioma, su incapacidad vocal ( una voz estridente u horrible ) o porque poseían dificultades para aprenderse los diálogos para expresarlos en la pantalla.

Esta película es un clásico de altura y de gran calidad interpretativa que transmite mucho optimismo y felicidad. Es más, esta película es un culto a la felicidad. La coreografía es del mismo Gene Kelly con una fotografía excelente y una banda sonora que como la canción misma del título, es capaz de hacernos reír con sus ingeniosas escenas, de querer bailar, cantar y emocionarnos con las escenas más románticas al ritmo de claqué de la canción.

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El argumento se centra en un joven; pero afamado actor Don Lockwood interpretado por Gene Kelly, que hace una pareja profesional perfecta con Lina Lamont( Jean Hagen ); pero con la llegada del sonido se pierde la magia. Para más complicaciones, aparecerá la aspirante actriz Kathy Selden( Debbie Reynolds ) que conquistará el corazón de Lockwood y entrarán los celos de Lina.El reparto brilla con luz propia y las canciones y los bailes nos llevan como espectador a caminar en el aire y la suave brisa nos llega a rozar el alma.

Pero no podemos olvidar un actor que hace pareja con Gene Kelly en esta película y junto con él; realiza una sincronización perfecta que con su gracia y elegancia les da vida a la pantalla; ese actor es: Donald O”Connor. Este pequeño actor nacido en Chicago y de descendencia irlandesa, hizo una de sus mejores interpretaciones en la pantalla precisamente en esta obra maestra del cine. Hay una escena en esta película en donde hace un solo de baile que se llama Make’emLaugh; por el cual, tuvo que ser hospitalizado al finalizar esta secuencia por el agotamiento físico.

La dirección artística y la coreografía de Cantando bajo la lluvia, nos deleita ante nuestros ojos que nos lleva a un mundo mágico de elegancia y glamour. Hay personas que no le gustan los musicales; pero a ellos les digo que me den un voto de confianza y cuando miren esta obra maestra, sabrán porque ha sido considerada como la No.4 en casi todas las listas de las mejores películas de la historia del cine.

Existe en algunos libros, revistas y en el mismo internet ( Wikipedia ) algunas consideraciones que son bastante interesante destacar para que ustedes puedan notar cómo se hizo la película y sus peculiaridades.

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1) La paradoja de esta película, que es cine dentro del cine. La actriz que en realidad canta y dobla a Debbie Reynolds fue Jean Hagen, la actriz a quien en la ficción dobla ésta.

2) La escena de Gene Kelly bailando bajo la lluvia no estaba en el guion original, fue agregada más tarde para darle sentido al título. Durante el rodaje esta misma escena, Gene Kelly, el protagonista se encontraba con 39 grados de fiebre. La escena fue grabada en una sola toma. Muchos aseguran que la lluvia artificial que se aprecia en la famosa escena del baile, es agua mezclada con leche para que pudiera ser captada perfectamente por la cámara de la época.

3) Después de un número musical, Gene Kelly ayudó a Debbie Reynolds por su falta de experiencia en el baile. En las noches Kelly la encerraba en un cuarto para ensayar por horas. Cuando acabó el número deGoodMorning, los pies de Reynolds estaban sangrando. Años más tarde Debbie Reynolds, agradeció las enseñanzas de Kelly en el baile, pues sin ellas no hubiera podido continuar con la carrera que logró. Con el tiempo, Debbie Reynolds dijo que: hacer Cantando bajo la lluvia y parir fueron las dos experiencias más difíciles de su vida.

4) La escena de baile de Gene Kelly yCydCharisseperteneciente al número musical “Broadway Melody”, en la que Charisse interpreta a una atractiva mujer que intenta seducir con su danza a Kelly, fue considerada de alto contenido erótico para la época debido al roce corporal y los movimientos que había en la misma. Por esta razón, luego de la edición final de la película, se recortaron unos pocos segundos de la secuencia de baile, por considerarse muy sexual un movimiento realizado por ambos bailarines.

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Dentro de la cultura popular la canción principal de esta película ha tenido influencia en muchas otras. Tal es el caso de la película La Naranja Mecánica en donde el papel que realiza Malcolm McDowell, en la escena de la violación es interpretando Cantando bajo la lluvia. Así, en la serie de televisión Gleehay un capítuloel cual presenta un remake de Singin’ in the rain.

En fin, les invito queridos lectores que traten de buscar en una tienda de videoclub, comprarla por internet, o si tienen a un amigo que la posee, que se la presten o que puedan verla en familia y se darán cuenta que estamos ante una verdadera obra maestra del cine. Es un culto a la vida; a la felicidad y a la alegría.


 

DE VUELTA A LO CLÁSICO
Por Rienzi Pared Pérez

Una de las artes que más se han desarrollado en el corto tiempo es “El Cine “. El Hombre como ente social, siempre tenía en su cabeza la idea de captar imagen en movimiento y es por ello, que en cuevas de la época de la era primitiva encontramos dibujos de animales en una pose y al lado el mismo animal en otra posición, tratando el Hombre de captar ese movimiento. A través de los años, y pasando por el siglo XII antes de Cristo, en China hacen lo que se conoce como la Sombra Chinesca y no es más, que a través de una manta blanca y con una vela hacer figuras con las manos para poder mostrar imágenes con ellas.

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Uno de los aportes más significativos como preámbulo para el surgimiento del Cine lo es el descubrimiento de la Fotografía por allá en el año 1840. Es con este descubrimiento que el Hombre capta una imagen; pero es fija y demuestra en ella el sentir de lo que tenía grabado en su mente desde los tiempos antiguos. La fotografía sirvió como punto de partida y en 1891 el científico Thomas Alva Edison inventa lo que se llamaría el Kinestocopio; pero el artefacto solamente funcionaba cuando se depositara una moneda por lo que estaba limitado al público en masas y quedó como una curiosidad; hasta que el 28 de diciembre del 1895, en un café parisino, se conoció el Cinematógrafo un aparato que proyectaba imágenes en movimiento creado por los Hermanos Lumiere. Ese día se proyectaron “Salida de la Fábrica de los Hnos. Lumiere “ y La Llegada de un Tren “ lo que marca el nacimiento de este Arte como se conocería con el tiempo.

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Con estas breves palabras quiero comenzar este artículo a ustedes mis queridos lectores, para poder sugerirle películas que vaya enmarcado no solamente para entretener, sino, que aporte como enseñanza y que lleve cultura en todo el sentido de la palabra. Es por ello, que quiero iniciar con quien es para mí un genio de este arte el Sr. Charles Chaplin. La película que podemos recomendarle de este gran director son: “El Chico” ( 1921 ),“Luces de la Ciudad” ( 1931 ), “ La Quimera del Oro” ( 1925 ) y “ Tiempos Modernos” ( 1936 ), y luego recomendarle el “ El Acorazado Potemkin “ ( 1925 ) del ruso Sergei Eisentein. Todas las películas anteriores son de la época del cine mudo.

El título de este artículo lo que me motivó a escribirlo, es llevar un cine alternativo que ustedes conozcan; ya que será difícil verlo en salas de cine y/o en televisión por cable.Cuando algunos de ustedes va a un club de vídeos a alquilar películas la persona que le atiende en dichos establecimientos no le ofrece este tipo de películas porque muchas veces no la conocen, teniendo en los escaparates películas que son verdaderas joyas del cine mundial y casi siempre acaban mostrándole solamente las últimas que llegaron.

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Además, de las películas que hemos recomendado sobre la época del cine mudo, les recomiendo una lista que pueden buscarla en un vídeo club o en su defecto en canales del cable o por internet. Estas películas son:
1) Lo que el viento se llevó ( Gonewiththewind )de 1939, Dir. Victor Fleming
2) El mago de Oz ( TheWizard of Oz ) de 1939, Dir. Victor Fleming
3) La diligencia ( Stagecoach ) de 1939, Dir. John Ford
4) CitizenKane( 1941 ) Dir. OrsonWelles
5) Casablanca ( 1942 ) Dir. Michael Curtiz
6) El Incidente Ox – Bow ( 1943 ) Dir. William Wellman
7) Cantando bajo la Lluvia ( Singin’ in theRain ) de 1952, Dir. Gene Kelly
8) Vértigo ( 1958 ) Dir. Alfred Hitchcock
9) Ladrón de Bicicletas ( 1949 ) Dir. Vittorio de Sica
10) Con faldas y a lo loco ( SomelikeIt Hot ) de 1959, Dir. Billy Wilder
11) La Trilogía del Padrino, Dir. Francis Ford Coppola
12) Lawrence de Arabia ( 1962 ) Dir. David Lean
13) 2001: Una odisea del espacio ( 1967 ) Dir. Stanley Kubrick
14) Roma: Ciudad abierta ( 1945 ) , Dir. Roberto Rossellini
15) Los Olvidados ( 1950 ) Dir. Luis Buñuel
16) De aquí a la eternidad ( 1953 ) Dir. Fred Zinnemann
17) El Verdugo ( 1963 ) Dir. Luís García Berlanga
18) Eva al Desnudo ( 1950 ) Dir. Joseph L. Mankiewicz
19) Ben Hur( 1959 ) Dir. William Wyler
20) Perdición ( Double Indemnity ) 1944; Dir. Billy Wilder

Espero que cada uno de ustedes pueda conseguir estas películas y disfrutarla en familia y con amigos para conocer el más completo de las artes. “ EL CINE”


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Neorralismo Italiano con Vittorio de Sica
Por Rienzi Pared Pérez

El neorrealismo italiano fue un movimiento cultural, nacido y desarrollado en la Italia después de la Segunda Guerra Mundial y tuvo una gran influencia en directores de cine tales como: Roberto Rosselini, Federico Fellini; Luchino Visconti, Michelangelo Antonioni, Vittorio de Sica, entre otros.

La característica de este movimiento se centra con dramas humanos que se ubican en sectores sociales muy desfavorecidos, y que se destacan las condiciones de vida de la gente,como la frustración, la pobreza y la desesperanza. Su aspecto e intención principal consiste en plasmar la realidad tal y como es. Se trataba de un cine con una orientación social capaz de representar la terrible depresión después de la guerra. Unos de sus grandes exponentes de este movimiento lo fue Vittorio de Sica.

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Vittorio de Sica

El nombre verdadero de este gran director fue: Vittorio DomenicoStanislao Gaetano Sorano de Sica; mejor conocido como Vittorio de Sica. Nace en Italia, en la ciudad de Sora en el año de 1901 y fallece en el 1974 en una intervención quirúrgica por un quiste en el pulmón,dejando una estela de películas de gran calidad, los cuales muchas de ellas han soportado el devenir del tiempo y se han colocado como verdaderas Obras Maestras del séptimo arte.

Hijo de un banquero de nombre Umberto; el cuál su película del 1952 llamada Umberto D; la filma en honor a su padre por todas las vicisitudes que tuvo que pasar cuando en esa Italia de postguerra, vivió toda la desesperanza y el desgarrador momento en la vida de los jubilados.

Su familia se trasladó a Roma cuando apenas tenía 10 años de edad, llegando a diplomarse en Contabilidad; pero el amor por el arte y la actuación era más fuerte; que a la edad de los 19 años estaba dando sus primeros pasos como actor teatral. Llega al mundo del cine con la película “ La belleza del mondo” en el 1926 y a partir de ahí continúa realizando papeles como actor hasta que realiza su debut como director en el año 1940 con la película “ Rose Scarlatte”.
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Hace varias películas en los primeros años de la década de los 40’s hasta que en el 1946 realiza la película “ El Limpiabotas”, en torno a dos niños que sobreviven en la postguerra limpiando zapatos, y que le hace merecedor de reconocimiento por su estilo y la manera de contar la historia con actores no profesionales. El título original es “ Sciusciá “ que hace referencia al término anglosajón “ ShoeShine”.

Sin duda, la mayor obra maestra de este realizador lo es “ Ladrón de Bicicletas” del año 1948 sobre un padre que con su hijo, busca la bicicleta que le han robado; ya que sin ella no podrá seguir laborando y con ello mantener a su familia. De Sica, no conseguía financiamiento para esta película; ya que los productores no confiaban que una historia tan simple pudiera funcionar.

Encontró un interesado en financiar la película, siempre y cuando el actor fuera CaryGrant; pero De Sica se negó, porque el papel principal lo debía de realizar un hombre común de la calle. Finalmente, contrató a Lamberto Maggiorani, un auténtico obrero de la siderurgia el cual conoció durante un paseo por las calles de Roma para impregnarse con los problemas de la gente. Resultado, una verdadera joya del séptimo arte y consigue el Oscar como mejor película extranjera y a través de los años, se le ubica entre las 10 mejores películas de toda la historia del cine.

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Pero, como olvidar la película del 1960 por el cual Sophia Loren fue galardonada como mejor actriz, siendo la primera actriz de otra nacionalidad que obtiene este galardón por los premios de la Academia de Hollywood.Dos Mujeres,se desarrolla en el año 1943 en la Italia durante los nueve meses de ocupación nazi. Una mujer vive con su hija, una adolescente de trece años. En su intento de volver a Roma, refugiadas en una iglesia, madre e hija, son violadas por soldados marroquíes. Es una película con actuaciones estupendas y un drama desgarrador.

Otra de sus películas en base a este movimiento neorrealista es la película Milagro en Milán del 1951, en donde el guion es una fiel alegoría sobre la pobreza y la injusticia social.Ya a comienzos de la década de los 60’s el director nos trae una película del género de comedia y es Matrimonio a la Italiana del 1964 con Sophia Loren y Marcelo Mastroianni en donde la acción se desarrolla en la ciudad de Nápoles, durante la Segunda Guerra Mundial, en el cual Sophia Loren interpreta a Filomena Maturano que labora en una casa de prostitución; ya que no encuentra cómo ganarse la vida, y ahí conoce a Doménico Soriano ( Mastroianni ) que es dueño de un bar de la ciudad y comienza una aventura entre ellos dos al estilo de la comedia italiana.

Otros títulos importantes de este gran director son:
1) Boccaccio ’70 ( 1962 ) co-dirigida con Federico Fellini e interpretada por Sophia Loren, Anita Ekberg; Romy Schneider.
2) Ayer, Hoy y Mañana ( 1963 ) con Sophia Loren y Marcelo Mastroianni
3) El último Juicio ( 1961 ) con Vittotio Gassman, AnoukAimeé, Nino Manfredi.
4) La condenada de Altona ( 1962 ) con Sophia Loren, MaximilianSchell, FredricMarch
5) El jardín de Finzi-Continis( 1970 ) con Dominique Sanda, Fabio Testi, RomoloValli ganadora del Oscar como mejor película extranjera en el 1972.

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Su última película como director fue TheVoyage( Ilviaggio ) del 1974 un drama – romance con Sophia Loren y Richard Burton compilando un total de 35 películas dirigidas por este gran director de cine. Participó como actor en 158 películas, escribió 23 de ellas y produjo 8 películas en total.
En fin, el aporte hecho al séptimo arte por este gran cineasta, es de un inmenso valor que contribuyó junto con otros al desarrollo del cine italiano a partir de la Segunda Guerra Mundial.


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El Padrino
Por Rienzi Pared Pérez

Hablar de El Padrino, es hablar de una de las mejores obras cinematográficas del cine. Está catalogada en el lugar no. 3 en toda la historia del cine y es una verdadera obra maestra. Todo comenzó cuando el autor de la obra literaria de nombre Mario Puzo tenía una deuda por ser jugador de apuesta, y en el año 1968, conoció a Roger Evans productor ejecutivo de la Paramount Pictures en ese tiempo, y le ofreció los borradores de su futura novela que se denominaría Mafia.

Evans le compró los derechos por US$12,500.00 y la novela salió a la luz pública con el título El Padrino en 1969.

La Paramount Pictures quería llevarla a la pantalla como una película serie B, es decir, de bajo presupuesto, y en su momento se pensó para dirigirla los cineastas: Elia Kazan, Arthur Penn, Costa Gravas; pero se decidieron por un joven de 31 años de edad, con poca experiencia en la dirección y que había sido co-guionista de la película Patton. Ese hombre era Francis Ford Coppola.

Coppola y el mismo Mario Puzo se pusieron en marcha para hacer el guion para la película y empezaron a seleccionar para determinar quiénes serían los actores que interpretarían los personajes de la obra. Para Vito Corleone el director se la jugó con los estudios y prefirió Marlon Brando; aunque los estudios no lo querían por lo conflictivo que era Marlon Brando. Para el de Michael Corleone se pensaron en: Dustin Hoffman; Robert de Niro; Martin Sheen; pero el director seleccionó a un desconocido Al Pacino.

Para el personaje de Santino Corleone ( Sonny ) se pensó en: Ben Gazzara, John Saxon, Don Gordon; pero el seleccionado fue James Caan. Para el papel de Fredo el hermano mayor, recayó en el actor ido a destiempo John Cazale. La película ganadora de tres premios Oscars en la ceremonia del mes de marzo del 1973 obtuvo como mejor película; mejor guion adaptado y el de mejor actor Marlon Brando; este último envió a una actriz de origen indio como forma de protesta por el trato recibido en Norteamérica y rechazó el premio.

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El Padrino, es una película con actuaciones estupendas; una edición increíble; la dirección artística lo lleva a su máxima expresión y un guión excelente que ha dejado frases que han marcado el devenir del tiempo.

Cuando se estrena la película el 15 de marzo del 1972 en la ciudad de New York, inmediatamente cautiva al público en general y a la crítica estadounidense. Se convierte en un fenómeno, donde todo el mundo quiere ver esta monumental obra. Al cabo de menos dos años, se estrena la secuela y se titula El Padrino II. Una gran parte del reparto repite y se añaden otros actores resultando una excelente película que algunos han manifestado que le gusta más que la primera. ( yo en particular me quedo con la primera ).

Es la mejor secuela de todos los tiempos y la película recibió la aclamación universal de la crítica y recibió 11 nominaciones a los premios Oscar, ganando 6 entre ellos: Mejor Película; Mejor Director; Mejor actor secundario, etc. El Padrino II presenta dos historias paralelas. Una de ellas involucra al jefe de la mafia Michael Corleone ( entre 1958 – 1959 ) y la otra es la historia contada en flashback de de su padre Don Vito Corleone, desde su infancia en Sicilia
( 1901 ) hasta la fundación de la familia Corleone en la ciudad de New York.

Y por último, El Padrino III estrenada en el año 1990 completando así, la historia de Michael Corleone que trata de legitimar su imperio criminal. La película incluye acontecimientos como la misteriosa muerte del Papa Juan Pablo I y del escándalo del Banco del Vaticano a principios de la década de los 80’s. El reparto incluye artistas de la talla de: Al Pacino, Talia Shire, Diane Keaton, Andy García, Eli Wallach, George Hamilton, Joe Mantegna.

En resumen, estamos ante una Obra Magistral del séptimo arte que presenta en varias etapas, la vida de una familia que se ha convertido dentro de la cinematografía mundial como parte vital de la historia del cine.

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ALGUNAS CURIOSIDADES DEL PADRINO:

Para el proyecto de la película se pensó para dirigirla a: Elia Kazan, Sergio Leone, Costa – Gavras; pero a ninguno le entusiasmó la propuesta. El guión le llegó a Francis Ford Coppola, este por poco lo rechaza aunque lo pensó mejor y lo aceptó.

Para el papel de Michael Corleone se pensó en : Ryan O’Neal; Robert Redford; Dustin Hoffman, Warren Beatty y en Martin Sheen; sin embargo recayó en un joven actor que no tenía grandes logros y era Al Pacino. Este fue el salto a la fama de este actor.

Para el papel de Don Vito Corleone se pensó en : Laurence Olivier; Ernest Borgnine; pero Coppola pensó en Marlon Brando y los estudios no querían , dado los problemas que Brando ocasionaba. Para conseguir que los estudios aceptasen le pusieron tres condiciones que eran: primero, Brando cobraría el sueldo mínimo; segundo, el actor pagaría de su bolsillo todos los retrasos que en el rodaje causase, y por último, tendría que hacer una prueba de cámara. En esta última prueba ahí Marlon Brando se la jugó y de qué manera. Dejó atónito a todos los presentes.

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El comienzo de la película cuando Bonasera le solicita un favor a Don Vito, este último tiene un gato sentado en su pierna. Este hecho no estaba en el guión, Marlon Brando cogió a este gato que rondaba por los estudios, se encariñó con él y se lo llevó al set de rodaje.

La cabeza de caballo que aparece en la cama de Woltz, no estaba previsto que fuera real, o al menos, no se lo habían especificado al actor John Marley. El gesto de horror de Marley que se ve en pantalla es auténtico.

Marlon Brando improvisó otra escena y es cuando se burla del llanto de Johnny Fontane ( Al Martino ) y le pega en la cara, ninguno esperaba la reacción, por lo que, tanto la cara sorprendida del actor Al Martino como las sonrisas nerviosas de Robert Duvall son auténticas. Esto era para darle más realismo la actuación.

Por su parte, James Caan se metió tanto en el papel que en algunos enfrentamientos que tiene con su cuñado Carlo ( interpretado por Gianni Russo ) tuvieron que sujetarle para que no cometiese alguna desgracia. Coppola estaba feliz por el grado de implicación de los actores. Brando tuvo mucho que ver con esto.

La niña que están bautizando en la escena del bautizo en la primera parte, es Soffia Coppola la hija del director que en la tercera parte del padrino hace de la hija de Michael Corleone.

 

 

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